摘要：油画作品的创作离不开色彩的运用，色彩在油画中具有重要作用，是重要组成部分，色彩也是创作者表达观念的一种重要方式，不同的色彩呈现出来的观念、情感是不一样的，色彩是创作观念的载体。
关键词：色彩；观念
绘画是振奋人心的媒介，艺术家们在进行创作中其情感主要通过色彩进行表达，色彩因其独特的特点和张扬性具有不一样的表现力，并且色彩还能让人更好的进行审美，具有一定的内在审美价值。从地域和民族来看，中西方对于色彩的运用不同，西方国家的创作者更喜欢、善于、敢于用色彩来展示自己，色彩具有强烈的冲击力，东方的创作者往往比较含蓄，所用色彩比较简单，对色彩的运用弱于西方国家的彰显。随着创作者的创作观念的变化，色彩也在不断变化。
一、色彩在油画创作中的重要作用
色彩对于创作者而言就是其话语，通过色彩向欣赏者传达创作者的内心世界和情感体验，创作者通过不同颜色来表达不同的情感，多彩的颜色也是创作者丰富情感的体现。
（一）色彩是油画创作者情感表达的载体
在油画绘制中最有冲击力的就是色彩呈现，色彩就像文字语言一样直接展现着创作者的情感，创作者通过色彩来表现出一时段的心境。例如红色、黑色、白色可以表达创作者不同的情感：热情、冷漠、孤独。因此，对于创作者而言，充分利用色彩的表现力，来展示自己，抒发内心世界，让更多的人能够了解自己的内心世界，色彩对于创作者就是其生命和灵魂的承担者，是创作者情感表达的载体。
（二）色彩是创作者主要表现手段
创作者创作一幅作品主要是为了传情达意，向欣赏者敞开心扉，通过色彩来感染更多的观赏者。不同于其他行业的创作者，油画艺术家们主要依靠色彩来进行抒情。色彩对观赏者而言具有直观的视觉冲击力，色彩通过颜色的搭配产生美感，与观赏者达成心灵的沟通，使得创作者与观赏者之间形成一个看不见的链条。
（三）色彩是创作者的艺术语言
色彩搭配的成功与否直接影响到作品的成败，色彩在地域、民族、性别上也有不同的解读和不同的意义，存在着显著的差异。创作观念不同的作者对色彩的选择也是有差别的，不同时期的创作作品所用的色彩也不一样，这也是该创作者在创作不同时期的不同观念的反映。
二、油画色彩中创作者的创作观念的表现
（一）色彩在不同时期的运用，是基于社会历史的变化
从西方油画创作历程来看，一个黑暗时代里，艺术家想要改变是不可能一蹴而就的。而想要改革的艺术家们首先从时下最流行的艺术形式的描绘上做起。例如，他们不再采用传统的艺术形式，而是用瓷砖和泥金来进行装饰，以金碧辉煌的色彩让整幅画作脱颖而出，从色彩运用的突破上，来表现出强烈的变革愿望。
（二）色彩在创作观念中的双重性
色彩一方面是客观存在的具体事物，另一方面创作者把这一事实存在的客观事物赋予情感，从创作者的笔下富有生气地活跃在材质上，色彩便有了情感，有了声色。因此对于创作者而言，对色彩既要保留其原有属性，又要赋予其情感的展现，创作者对于色彩的运用不仅仅是创作者自有观念的反映，还有考虑到欣赏者的情绪，使观赏者能够感同身受，甚至身临其境。在创作观念中通过色彩表现出来：积极、阳光、悲伤、孤独等多样观念并能够让观赏者感受到。
（三）油画中的色彩是创作观念的外显形式
创作观念主要是创作者表现出来的一种倾向与价值观念，是一种内在的主观反映，内在的东西总需要寄托于外在的事物体现。一幅作品因为有了创作者的思想有了意义，创作者对各种色彩的应用，是为了让欣赏者便于知晓创作者的内心世界。
三、不同时期的油画创作观念与色彩运用
（一）中世纪到文艺复兴时期的油画
中世纪后期，油画创作的主要特点就是镶嵌画和彩色玻璃画的大量问世，而在色彩的选择上多是像红、黄、蓝原色这些基本色。颜色选择和绘画方式相结合使得作品中的人物和景象具有立体感，作品中色彩比较明亮、饱和度高，这样作品看起来就比较具有感染力。文艺复兴之后，受到文艺复兴思潮的影响，创作者在空间感上要获得满足感，这一时期就通过丰富和含蓄的色彩来表现这一空间感的追求，作品表现出来就比较复杂，较之前的简单色相比，这一时期出现了其他颜色，比如灰色、浅蓝、肉色、浅灰、橘红等颜色的出现，丰富了色彩的表现形式。
把色彩运用在不同的主要背景中是中世纪时整个社会对装饰建筑的追捧，宗教仍活跃在社会上层，因此创作观念主要是以宗教故事为主，创作者的更多思想都会受到宗教思想的影响和限制，作品多为上层阶级服务，尤其是作品中对色彩的运用比较单一，创作者的思想受到压制。文艺复兴对艺术家们则是一种思想上的解放，因此作品中大胆使用颜色，突破了原有基本色的限制，在色彩选择上较为宽裕。
（二）17、18世纪的油画创作
这一时期的油画创作开始重视人们的视觉感受，创作以自然景色为主要素材，展示自然界的美好，在对自然景色的绘画中，创作者对色彩的运用更加灵活和多样，为了还原自然本色，创作者对色彩的使用上偏向于自然色，作品中关于明与暗对比比较鲜明，尤其是在对光和影的借鉴，这样在人物创作中，人物有了视觉上的层次，整个画面具有空间感。
这一时期创作对象和色彩选择的变化主要体现了创作者对大自然和人们的日常生活的关注，从眼睛里能看到的具体实物中去感知，艺术来源于生活，这时期的作品已经有了明暗对比，整个作品能够连贯起来，具有完整性，不再是分散的、分离的。
（三）印象派和后印象派油画创作观念与色彩
印象派时期在绘画色彩上已经有了很多由光分解折射后的原色，这样创作出来的画面给人的感觉就是非常绚丽，呈现出来的人物具有明显的空间感。后印象派时期，色彩绘画从外光写生转向更深层次的色彩，多种色彩来融合或者分解，这样出来的色彩就接近现实，更容易让人接受。
这一时期的创作观念主要得益于牛顿的三棱镜分解光，这一实验使色彩更加明确，尤其是对7种颜色的区分和认识：赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫。这一发现使得创作者对色彩的运用更加游刃有余。不同色彩、冷暖色的选择使得作品画面感更真实，这也为创作者进一步表达内心情感提供了条件，创作从原有的单一表现外景开始转向人物的内心世界，作品中的人物都有了情感。
（四）20世纪及以后的油画创作与色彩
这一时期也被称为现代派，主要指的是西方流派，这一时期的油画色彩选择上主要是自然色的运用，自然色与线条、色块相结合，作品更富有感情，增加了作品的感性色彩。
不同时期，不同的创作观念，进行不同的色彩选择，油画作品也更有了情感，吸引着观赏者，形成創作者与观赏者间的内心互动，优秀的作品成为文化的组成部分，对于丰富人们的精神文化生活起着重要作用。
参考文献：
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